INTERIOR: 39 de lucruri de știut despre realizarea unui film la Pixar

Ce Film Să Vezi?
 
Aparat foto! Acțiune! Lumini!

Nu va înceta niciodată să mă uimească cât de mulți oameni și cât timp depune până la realizarea unui lungmetraj, dar în timp ce vizitau campusul Pixar din San Francisco în aprilie, am avut ocazia să analizez în special ceea ce a fost nevoie a face Pe dos și este un proces absolut uluitor. A doua zi după proiectarea primei ore a filmului, am avut ocazia să participăm la cinci prezentări - una pentru departamentul de poveste, una pentru designul producției, una pentru aspect, una pentru animație și una pentru departamentul de iluminat. Fiecare dintre noi ne-a oferit un joc de joc cu ceea ce fac zilnic, acoperind cerințele tehnice și creative ale locurilor de muncă, prezentând exemple de muncă și modul în care materialul se schimbă pe parcursul producției și multe altele.

Avertisment: Acesta este unul lung, dar a fost suficient de greu pentru a împiedica această piesă să fie dublă, deoarece erau atât de multe lucruri fascinante care trebuiau făcute pentru a aduce bucurie, tristețe, dezgust, furie, frică și Riley însăși la viața pe ecran în cel mai eficient mod. Iată 39 de lucruri de știut despre procesul de realizare Pe dos defalcat pe departamente:

Poveste cu codirectorul Ronnie del Carmen

1. Aici începe totul. „Când începe, abia mai există nimic.” Del Carmen a continuat: „Ceea ce avem este un concept fantastic. Pete Docter spune: „Vreau să fac un film despre o fetiță de 11 ani și jucătorii prezenți sunt emoțiile din capul ei.” „Bineînțeles! Să începem! ’Intrați într-o cameră, stați unul lângă celălalt și apoi,„ Ce facem? ”Nu știm! Ajungem să ne dăm seama ce este asta. Așa că începem povești de lucru. Ne povestim reciproc. ‘Cum erai când erai copil? Cum sunt copiii tăi? ”Și apoi primul lucru care apare este că emoția de plumb ar trebui să fie Joy deoarece copiii sunt întotdeauna fericiți. Mereu săresc. Întotdeauna se simte de parcă sunt mereu fericiți veșnic ”.

2. Ideile nu vin întotdeauna ușor și, atunci când sunt blocate, realizatorii schimbă vitezele și încep să se deseneze reciproc. „Vor fi zile întregi, poate chiar săptămâni în care tot ceea ce încercați eșuează și apoi stați unul față de celălalt fel de gloanțe.” Del Carmen a subliniat câteva schițe ale unor fețe foarte familiare atârnate pe perete, inclusiv el, Jonas rivera și Pete Docter . 'Este distractiv. Te cam scoate din acel mod de rezolvare a problemelor. ”

3. Ce face un artist de poveste? „Ca artist de poveste, trebuie să desenezi o versiune simplă a personajului pentru că trebuie să-i desenezi de sute de ori pe zi. Sute, aproximativ 300, 400 de desene pe zi, poate pentru o secvență, poate pentru o parte a unei secvențe. ” Evident, dacă faci atâtea desene pe zi, trebuie să le poți face repede.

Imagine prin Disney

4. Sketching Furia. Del Carmen ne-a făcut o demonstrație pas cu pas a modului de a atrage Mânia. S-ar putea fi greu să vizualizați fără a vedea cum del Carmen trece prin procesul dvs., dar iată pașii dacă doriți să încercați:

  • Începeți prin desenarea unui pătrat.
  • Pentru sprâncenele sale aveți nevoie de „un arc care urcă în partea de sus, apoi trageți două linii care îi reprezintă sprâncenele”.
  • Acum puneți „semilune pentru ochi” și „irisul chiar în partea de sus”.
  • „Gura lui este opusul celuilalt arc”.
  • Acum, pentru partea de sus a cămășii sale și „după aceea, poți desena aceste triunghiuri mici pentru guler”.
  • „Între asta, îi poți desena cravata.”
  • „Vârful pantalonilor de fapt merge în spatele acelei cravate.”
  • „Brațele lui seamănă cu niște tuburi mici, cu pumnii.” Pumnii sunt cercuri mici la capătul fiecărui braț.
  • „Sub acel pătrat îi poți desena pantofii„ și ”apoi poți trage doar două linii pentru a te asigura că pare că are picioare.”
  • „Și dacă vrei să simți că este într-adevăr strălucitor, ai aceste capace inferioare pe care le poți desena„ și ”după aceea, poți pune fum deasupra capului ca și cum ar arde cu adevărat”.

Imagine prin Disney

5. Cum se aprobă un pitch. „Ai desena începutul, mijlocul și sfârșitul [unei scene] și apoi tu, ca artist de poveste, te-ai așeza în fața ei sau în fața unui ecran digital și l-ai arunca”. Ca exemplu, del Carmen s-a ridicat și a interpretat în esență o scenă întreagă, exprimând el însuși fiecare personaj, în timp ce arăta spre scenariile adecvate. (A fost extraordinar de distractiv! Sincer, aș fi putut să-l privesc interpretând întregul film.) „Lansați așa ceva, aflați dacă funcționează. Dacă funcționează, rămâne. Dacă nu, trebuie să o faceți din nou '.

6. Scrierea scenariului a fost un proces foarte colaborativ. „Pete și cu mine am vorbi unul cu celălalt, ne aruncăm povești unii cu alții.” Del Carmen a continuat: „Ne scriem ideile și arată ca un scenariu, se comportă ca un scenariu, dar nu era nimeni care să conducă - nu scriem un film în care cineva dintr-o cameră specială, un scriitor genial cameră, scrie toate cele trei acte și este perfect și apoi îi dă: „Vă rog să ilustrați geniul meu.” Nu. Nu se întâmplă asta. ” El a explicat în continuare: „Procesul nostru de scriere este despre încercarea a ceva, fie că este desenat, scris sau doar amplasat de-a lungul holurilor. Așa se face. Nu așteptăm doar: „Ah, aș vrea să vină un geniu și să scrie acest film.” Nu, ar fi noi într-o cameră ca asta ”.

Proiectare producție cu Ralph Eggleston

7. Ce face Eggleston? „De obicei sunt una dintre primele persoane din film, una dintre ultimele persoane care au ieșit și este să construiesc o echipă care să vizualizeze filmul. Lucrăm cu regizorul și povestea pentru a pune în aplicare imagini vizuale care pot spune această poveste. Nu suntem doar un adjuvant. Nu proiectăm doar lucruri pentru poveste. Facem parte din procesul de povestire de la început. '

8. Inspirându-se din „arcurile cerebrale”. „Ceea ce sunt de fapt felii de țesut cerebral care au fost injectate cu substanțe chimice care emit o anumită culoare sub lumini diferite și puteți vedea diferite straturi de neuroni”. El a continuat: „Filmul nu este amplasat în creier, este amplasat în interiorul minții, dar nu am vrut cu adevărat să ne refuzăm niște indicii vizuale pe care publicul le-ar putea înțelege din aspectele fizice ale corpului tău.”

9. Lumea reală vs. Lumea minții. „Ne-am dorit ca oamenii să fie puțin mai reali pentru acest film, pentru că, dacă vom face acel desen animat cu acești tipi, ar fi trebuit să găsim echilibrul.” Eggleston a adăugat: „Publicul a trebuit să știe destul de repede unde te afli atunci când ai tăiat din interiorul minții în exteriorul minții.” În ceea ce privește locațiile în sine, Eggleston a identificat câteva caracteristici care ar fi specifice lumii reale și altele care ar fi specifice lumii minții. Fii atent la multă textură și contrast foarte scăzut în lumea reală. Cu toate acestea, în Mind World, veți vedea „o mulțime de culori saturate, un contrast foarte ridicat și o mulțime de suprafețe translucide și luminoase”.

Imagine prin Disney

10. Cum au venit cu ideea de a face ca Joy să fie efervescentă și de ce celelalte emoții nu ar putea avea același efect. „Ideea a venit de fapt de la un sclipitor.” El a continuat: „Am lucrat la ideea ca ea să fie efervescentă sau strălucitoare timp de aproximativ opt luni și a ajuns la punctul în care nu ne permiteam să o facem. Nu exista nici o cale. Și apoi am arătat John Lasseter și spune: „E grozav!” Niciunul dintre celelalte personaje nu a avut-o pentru că pur și simplu nu ne-am putut permite. Când John a văzut-o pe Joy, a spus: „E grozav! Puneți-l pe toate personajele. ”Puteți auzi sărmanul personal tehnic care tocmai lovea pământul și bugetul zburând prin acoperiș”.

este boba fett în mandalorian

11. Ce este un script color? „Scenariul color este o stenografie vizuală care arată lumina, culoarea și textura în iluminat, costume și păr. Face parte din procesul de proiectare. ' El a continuat: „Este o versiune scurtă a scenariilor, dar care se ocupă de culoare și lumină, de punere în scenă și cinematografie și contrast. Unul dintre lucrurile pe care le puteți vedea este atunci când reducem de la Lumea Mintii la Lumea Reală diferențele mari dintre paletele de culori. ”

12. Insulele Personalității nu au fost întotdeauna insule. La un moment dat, erau piloni ai personalității. „Această idee s-a schimbat considerabil și pe parcursul producției, deoarece odată erau piloni, apoi pluteau în cer. A fost o nebunie cât de mult s-a schimbat. ” El a explicat mai departe. „Ideea era, dacă Riley ar fi fost interesată de muzică în loc de hochei timp de câteva săptămâni, de genul:„ Oh, vreau să joc tuba ”, știi? Și astfel ar fi putut să crească insula muzicală și dacă ar fi devenit cu adevărat interesată de ea și ar fi devenit cel mai mare jucător de tuba din lume, ar putea fi cea mai mare insulă din mintea ei. Dar apoi își pierde interesul și se cam dispare. ” El a continuat: „Ideea este că ei sunt deja acolo, ei pot fi acolo, dar că puteți construi pe ei, îi puteți îmbunătăți chiar voi. Totuși, trebuie să o faci singur. Trebuie să luați decizia de a o îmbunătăți. ” El a adăugat: „Și, desigur, pe măsură ce ea începe să-și piardă interesul pentru fiecare dintre aceste elemente, acestea încep să scadă atât în ​​ceea ce privește culoarea, cât și în ceea ce privește valoarea, și apoi încep literalmente să se prăbușească”.

Imagine prin Disney

13. Culoarea cerului reflectă starea de spirit a lui Riley. „Pur și simplu se întunecă de-a lungul timpului prin intermediul filmului. Este o idee simplă, dar este o idee care poate fi obținută fără a fi nevoie să declarați prea mult. Și nu am vrut să mergem atât de departe încât să sugerăm că Riley se scufunda într-un fel de depresie majoră. Au existat versiuni ale filmului în care a avut tendința să meargă așa și am continuat să ne retragem pentru că nu despre asta este vorba, știi? Povestea este cu adevărat despre Riley doar adaptându-se la o lume nouă. '

14. Trenul gândirii a fost odată mult mai proeminent în film. „Sârmele catenare și toate suporturile și șinele de tren fiind peste tot, am putea face să arate bine într-o singură imagine, dar când camera a început să se miște și am avut toate aceste fotografii diferite, tocmai s-a ocupat peste tot și nu am făcut-o Nu vreau asta. Trebuia să fie clar că se întorceau la sediu. Așa că am venit cu această idee că linia trenului ar putea apărea și dispărea în fața și în spatele trenului. Ideea că, din nou, este electrochimică, că este vorba despre energie și lumină, transluciditate și scântei. ' Cu toate acestea, aveau o singură regulă. „Singura regulă pe care o aveam este că ar putea merge oriunde în minte, deoarece calea poate apărea oriunde, dar, dacă s-a oprit, trebuia să meargă la o gară și, inițial, aveam mai multe gări prin minte. Cred că s-a redus până la unul singur ”.

15. Iată o mare schimbare pe care trebuie să o urmărim în secțiunile internaționale ale filmului. „Cea mai mare va fi atunci când vei fi în mintea tatălui. La nivel internațional, cred că se uită la fotbal și aici se uită la hochei. ” La un moment dat, s-au jucat și cu ideea că diferite culori înseamnă lucruri diferite în diferite culturi, dar au trebuit să o lase să plece. „Am explorat ideea de a schimba asta, chiar am explorat ideea ca ele să schimbe culoarea pentru o zi poate, dar, știți, a trebuit să o dezbrăcăm, să simplificăm”.

16. Eggleston nu va putea să se bucure cu adevărat de vizionare Pe dos de câțiva ani. „Este nedrept pentru că acum îl văd și tot ce văd sunt părțile. Nu îl pot vedea încă ca pe un film, așa că nu știu dacă funcționează '. El a continuat: „Nu este corect, deoarece peste cinci ani va fi prima dată când mă voi putea așeza și o voi putea urmări efectiv pentru ceea ce este”.

Aspect cu directorul de fotografie Patrick Lin

17. În animație, nu sunt lumini, cameră, acțiune. Este cameră, acțiune, lumini. Lin a explicat: „Cu alte cuvinte, mai întâi este aspectul, apoi este animația și apoi iluminează”. El a continuat: „Suntem în partea din față a conductei de producție. Am înființat fundația pentru ca toate celelalte departamente să le urmeze, pentru a-și pune munca. Și suntem, de asemenea, primul pas pentru a defini cum va arăta filmul cinematografic. ”

18. Sunt foarte asemănătoare cu un echipaj de camere de acțiune live. „Instrumentul nostru principal este o cameră, doar camera noastră este virtuală. Dar, deși este virtual, este matematic adevărat. Are obiective, distanță focală, focalizare, f-stop, distorsiune, adâncime de câmp și totul. Și imităm mișcările reale ale camerei, ca și cum ar fi pe o pistă, pe o cărucior, pe o macara, într-o cameră sau pe un computer portabil. '

19. Departamentul de amenajare este, de asemenea, responsabil de organizare. „Punerea în scenă este coregrafia camerei și a subiectelor și modul în care le mutăm prin scene. Folosim încadrarea, compozițiile și blocarea pentru a stabili mișcări și poziții atât pentru personaje, cât și pentru cameră. ”

20. Munca lui Lin începe într-o cameră goală. După cum a explicat Lin, ei încep cu o cameră goală, de exemplu, sediul Mind World. „Primul lucru pe care îl facem este să aducem camera foto”. După aceea, vin personajele digitale. Când se întâmplă acest lucru, toate sunt în formă de T, cu brațele întinse, deoarece departamentul de animație nici măcar nu a atins materialul. Lin a continuat: „De asemenea, suntem responsabili pentru configurarea poziției inițiale a personajului. Așa că acum le pozăm și le-am mutat la punctul lor de plecare, iar acum pot muta camera pentru a obține primul prim-plan al Joy. ”

21. Odată ce își dau seama de toate bătăile poveștii, trec la clădirea împușcăturilor. „Aceasta este faza în care ne extindem asupra blocării și sincronizării și, dacă trebuie să animăm camera, o facem și în același timp.”

Imagine prin Disney

22. Odată ce sunt mulțumiți de mișcarea camerei, se trece la editorial. „Atunci oferim editorului toate fotografiile unde toate fotografiile vor fi rearanjate, vor fi tăiate sau extinse, blocarea va fi rafinată.” Odată ce ați terminat, „acesta este aspectul final pe care îl livrăm animației”.

când este următorul sezon al bosch-ului

23. Diferența dintre limbajul vizual pentru Lumea Reală și Lumea Minții. „Ideea este destul de simplă. Ideea este că lumea exterioară se bazează pe locații reale, deci ar trebui să fie realistă, ar trebui să fie imperfectă și greșită. Lumea interioară este imaginativă, este virtuală, deci poate fi perfectă. '

  • Distorsiunea obiectivului: „Primul lucru pe care l-am analizat pentru a separa aceste două lumi este distorsiunea lentilelor. Distorsiunea obiectivului este imperfecțiunea din sticla obiectivului în timpul fabricării. ” El a explicat în continuare: „Ne-am dus la o casă de camere din Berkley și am închiriat câteva lentile reale. Am închiriat două mărci, Cooke S4 și Ultra Prime, și am pus o diagramă de distorsiune și am împușcat diagrama cu fiecare dintre lentile și ceea ce am găsit a fost că Cooke are o distorsiune mai pronunțată decât Ultra Prime, așa că am măsurat fiecare dintre curbura distorsiunii lentilelor și am modelat-o în camera noastră virtuală. Și este pentru prima dată când Pixar modelează vreodată un obiectiv bazat pe un obiectiv real. ”
  • Focus: „În acțiunea live, de multe ori, dispozitivul de extragere a focalizării va pierde doar focalizarea și este un lucru foarte natural pentru acțiunea live, și îmi plac defectul și imperfecțiunea, așa că o voi folosi și o voi pune în exterior și în interior este întotdeauna concentrat la fața locului. ”
  • Mișcarea camerei: „Am decis pentru interior că vom folosi o mișcare mai mecanică a camerei cu dolly, track, braț sau macara, o mișcare foarte controlată. La exterior, mai organic cu zoom, steadicam și camere portabile. ”

24. Echipa lui Lin folosește și ceva numit captură extinsă a camerei. „Așa am capturat camera deblocată. Practic îl filmăm ca pe o acțiune live. Avem deja animație și captăm datele camerei în direct. ” Lin a tras un videoclip al unui operator de cameră care se plimba prin o cameră plină de senzori, ținând un trepied cu o cameră montată pe el. El a explicat: „De fapt, imităm mișcarea de steadicam pentru că nu avem un steadicam”. El ne-a arătat, de asemenea, câteva imagini ale unui operator de cameră care coborâ de pe o grămadă de hârtie. De ce? „Deoarece cameramanul se îndepărtează de o bordură, trebuie doar să imităm această mișcare.”

Animație cu Shawn Krause, Victor Navone, Jamie Roe și Tony Fucile

25. Ce face un animator de regie? Roe a explicat: „O mare parte din rolul meu a fost de a oferi sprijin animatorilor și de a le oferi feedback creativ și constructiv în timp ce lucrau și, de asemenea, de a anima pe spectacol.”

26. Ce fac editorii de supraveghere? Navone a explicat: „De asemenea, oferim feedback animatorilor, făcând un pic de animație, dar una dintre marile noastre sarcini este să lucrăm cu producătorul pentru a ne asigura că animația rămâne pe drumul cel bun și ne respectăm termenele limită, și colaborăm, de asemenea, cu alte departamente pentru a ne asigura, de exemplu, că departamentele din aval, cum ar fi efectele și iluminatul, primesc ceea ce au nevoie din animație și că departamentele din amonte, precum aspectul, ne oferă ceea ce avem nevoie pentru a anima fotografiile. ”

27. Ce primește exact departamentul de animație de la departamentul de amenajare? Krause a abordat acest subiect. „Până când o primim, povestea s-a terminat cu treaba lor, aspectul a luat scenariile și le-a tradus în seturi, a pus personajele acolo și a ales fotografii.” El a continuat: „Și atunci vom primi fotografii și secvențe și le vom arunca animatorilor”.

28. Totul despre cotidiene. Odată ce animatorii au realizat fotografiile, materialul începe să curgă. Acest material se numește cotidiane. După cum a explicat Krause, „Este o întâlnire zilnică și se va întâmpla la 9 dimineața, iar oamenii se vor înscrie prin sistem pentru înscriere și ar putea fi cinci, ar putea fi 20 de persoane. Nu știi niciodată cine se va înscrie pentru a-și arăta munca către regizor și, la fel ca un film de acțiune live, el regizează spectacolul. Vom veni împreună și este foarte frumos pentru noi, pentru că, spre deosebire de cele mai multe studiouri, cred că ajungem aici și opinia oricui este apreciată, ne vom lăsa în jurul ideilor, ne vom uita la fotografii și suntem conștienți se arată. ”

Imagine prin Disney

29. Iată cum Pete Docter dă notițe în timpul acestor întâlniri. O mică sală de proiecție este plină de oameni. Cineva anunță: „Urmează Denovan. El are accesul său IP de bucurie și tristețe pe 53F și 53C. ” După vizionarea materialului, Docter oferă câteva note. „Ați putea să-l mutați mai devreme, astfel încât mâna ei să ajungă acolo puțin mai devreme, vorbesc ca patru, șase cadre și apoi să-l încet la sfârșit, astfel încât să avem puțin mai mult timp pentru a citi culoarea schimbare pentru că mă uit la ea și, sperăm, ideea ar fi că vedem „Uh oh, balonul” și simt că schimbăm un pic asta. Dar nu am nimic la următoarea lovitură. Există vreun motiv pentru care nu putem finaliza acest lucru? '

30. Etapele prin care trece o secțiune de animație:

  • Potrivit lui Roe, materialul care vine din aspect este „foarte grosolan, nu se întâmplă prea multe, expresiile sunt mult în afara modelului, dar tot ceea ce înseamnă este să oferiți animatorului informații despre montare, recuzită și seturi și unde camera este și momentul ”.
  • Ea a continuat: „Din această etapă, animatorul are tendința de a primi un briefing de la regizor și el va explica un pic ce caută din poveste din filmare și ritmuri importante pe care trebuie să le amintești să le pui acolo, apoi animatorul are tendința de a-și colecta și propriile referințe, de a-și face propriile cercetări, unii oameni o interpretează în fața unei camere, unii oameni fac desene pentru a obține idei. ”
  • După ce ați colectat toate aceste gânduri, sugestii și idei, este timpul să faceți o primă trecere. Ea a explicat: „De obicei, prima pasă este foarte dură. Nu doriți să petreceți prea mult timp pe idei, deoarece nu știți dacă merg încă în direcția corectă. ”

    Imagine prin Disney

  • Aici ar putea ajunge Tony Fucile să intervină. El a remarcat: „Uneori, chiar de la început nu aș putea face draw-over-uri, dar în acest caz special existau o bază bună și ideea de a exagera ipostazele era ceva cu care mă jucam. . ” El scoate o lovitură de Joy și în esență urmărește animația, făcând marcaje care îi scot mâna mai mult și altele care îi împing pieptul mai sus. Navone a remarcat: „Este doar o referință. [Tony nu face efectiv modelele CG, așa că depinde de animator să încerce să facă modelul să facă ceea ce fac desenele lui Tony ”.
  • Roe a sărit înapoi. „Animatorul va lua apoi toate aceste informații, feedback, schițele lui Tony, pe care le poate privi la birourile lor, și va încerca să se apropie cât mai mult de el ca un model și să facă o altă iterație și când s-au simțit gata, ei ar arăta-o apoi din nou în cotidiene, a doua versiune, pe care o numim blocarea a doua trecere ”.
  • Ea a menționat că există multe alte iterații, dar, de dragul timpului, a sărit în a explica cum arată versiunea finală a operei unui animator. Când o lovitură părăsește departamentul lor, „încă nu are părul animat, nu are încă mișcarea rochiei acolo. Asta este tot ce trebuie să facă departamentul de simulare după noi. ” Cu toate acestea, chiar dacă elementele cheie lipseau încă, fotografia finală a fost semnificativ mai detaliată și rafinată decât versiunea inițială.

31. Cât durează de obicei un animator pentru a obține aprobarea unei fotografii? Navone a explicat: „Această fotografie are o lungime de aproximativ cinci secunde. Probabil că a durat trei săptămâni animatorul să o facă. Poate un pic mai mult decât de obicei, deoarece aceasta a fost o secvență destul de timpurie în producție, așa că încă ne dăm seama cum se mișcă Joy, astfel încât să aibă mai mult timp pentru explorare. În medie, un animator produce aproximativ trei secunde pe săptămână de animație finală. Aceasta este media noastră istorică. Desigur, va varia în funcție de cât de complexă este împușcarea. ”

Iluminat cu iluminare de caractere Plumb Angelique Reisch

32. Ce trebuie să facă Reisch înainte ca ea să înceapă chiar să aprindă personajele. Ea a explicat: „Am lucrat foarte îndeaproape cu departamentul de artă, cu departamentul de personaje și cu directorul de fotografie pentru a finaliza practic aspectul personajelor și aspectul umbrelor lor și cum va funcționa acest lucru. De asemenea, am lucrat cu departamentul de personaje pentru a testa personajele doar pentru a mă asigura că din punct de vedere tehnic vor fi gata să intre în departamentul de iluminat și să fie aprinse. Și apoi am servit și ca suport pentru personaje pentru echipa noastră de iluminat. Am avut aproximativ 35 de persoane, așa că, practic, dacă cineva avea nevoie de ajutor pentru a aprinde un personaj sau de asistență tehnică, am fost practic acea persoană la care ar veni ”.

33. Ce face bricheta? „Slujbele noastre ca brichete într-un film de animație sunt de fapt similare cu rolul unui cinematograf într-un film de acțiune live, dar cu o diferență crucială - nu trebuie să mutăm toate acele lumini grele în fiecare zi din fericire! Luminile noastre există toate în computer, dar ceea ce economisim cu puterea musculară îl punem cu siguranță în puterea creierului, deoarece trebuie să creăm fiecare lumină, fiecare umbră, fiecare componentă complet de la zero. ”

34. Cum abordează brichetele sarcinile lor.

  • „Când vom obține o nouă fotografie, vom începe de obicei cu un pastel de la departamentul de artă.” Pastelurile sunt cel mai rentabil mod în care departamentul de artă își transmite ideile. „Ei pot obține foarte repede o mulțime de idei și pot obține o mulțime de idei în fața regizorului pe care le-au schițat într-un fel, în timp ce odată ce ajunge la departamentul nostru, devine mult mai scump să facem acest gen de schimbări.' Ea a adăugat: „Procesul tipic este că departamentul de artă va primi aprobarea unui pastel de la Pete Docter și apoi, odată ce un pastel a fost aprobat, atunci va veni la departamentul nostru.”

    Imagine prin Disney

    va exista un sezon Sherlock 5
  • „Următorul pas este ca directorul nostru de fotografie să facă un start cu noi, unde vor vorbi despre punctul principal al acestei fotografii, vor vorbi despre motivul pentru care s-au luat anumite decizii de iluminare și apoi vor vorbi despre unele dintre direcția mai tehnică pe care și-ar dori să se asigure că iluminatul nostru lovește în fotografiere. ”
  • „Așa că acum avem o mulțime de note pentru a ne întoarce la biroul nostru și a ne așeza și a lua o primă trecere, iar când simțim că suntem pregătiți, o să aducem acel permis directorului de fotografie în ceea ce sunați la progrese, iar noi le facem, dacă nu chiar în fiecare zi, atunci cel puțin în fiecare zi. În acest moment, directorul de fotografie va arunca o privire asupra muncii pe care am făcut-o și, dacă nu mergem în direcția corectă, vor face note suplimentare și un fel de ajutor pentru a ne aduce la țintă, dar dacă merg în direcția corectă, apoi vor face notițe, dar vor fi mai detaliate. ”
  • „Ne întoarcem la birourile noastre și luăm o a doua trecere și înapoi la directorul de fotografie pentru mai multe note și înapoi la birourile noastre. '
  • „Atunci când directorul de fotografie este fericit și simte că filmul transmite într-adevăr starea de spirit pe care și-o doreau, atunci aprobăm fotografia și toată lumea este fericită. Și apoi ni se alocă mai multe fotografii și începe din nou. O brichetă medie va aproba aproximativ două fotografii și jumătate pe săptămână. ”

35. Principiile iluminării: „Principiile direcționează privirea privitorului, creează profunzime, îmbunătățesc starea de spirit, atmosfera și drama, transmit timpul din zi și dezvăluie personalitatea și situația personajului.”

Imagine prin Disney

36. Diferențierea lumii reale și a lumii minții în timp ce se aprinde. „Unul dintre lucrurile pe care le-am făcut la început este departamentul de artă și directorul de fotografie au lucrat împreună și au decis că saturația va fi modul în care vom face distincția între aceste două lumi. Deci, lumea umană, în general, va fi mai puțin saturată, iar lumea minții va fi întotdeauna mai luminoasă, mai veselă și mai saturată. ” Ea a adăugat: „Nu numai că este doar saturat și desaturat, dar pe tot parcursul filmului, aceste niveluri de saturație se vor schimba de fapt în funcție de starea sufletească a lui Riley.”

37. Nu este ușor să aprinzi un personaj care este o sursă de lumină. „În esență, a trebuit să ne întrebăm:„ Cum vom aprinde o bec? ”, A continuat ea.„ De obicei, atunci când aprindem personaje, ne bazăm foarte mult pe valoare, care va fi doar lumină sau întuneric pentru modelare a unui personaj. Deci, la fel ca în fotografia alb-negru, doriți o gamă tonală bună într-o imagine. O fotografie foarte bună în alb și negru are lumini bune, puncte intermediare bune și întunecări bune. Așadar, ne vom uita de fapt la imaginile noastre complet independente de culoare doar pentru a ne asigura că lovim acele intervale tonale atunci când ne gândim la modelare. Cu toate acestea, la Joy, ne-am dat seama că avem o problemă foarte mare. Este atât de strălucitoare încât nu aveți acea schimbare dramatică de valoare pe fața ei pentru a crea modelare pe ea, așa că a trebuit să venim cu un mod diferit de a o forma. ' Reisch a adăugat: „Trecem prin niște galbeni medii de-a lungul nasului până la niște rozuri cu adevărat saturate aici, așa că practic vom folosi culoarea pe acest film, spre deosebire de valoare pentru a o modela”.

38. Dărâmarea platformei ușoare a lui Joy.

  • „În primul rând, are doar o lumină strălucitoare, care este doar o lumină neutră, o culoare emisivă, doar un fel de plat pentru a-i oferi nivelul de iluminare de bază”.
  • „Pe partea ei cheie, are o lumină de lovitură foarte rece și desaturată. '

    Imagine prin Disney

  • „Mișcându-se pe fața ei, lumina ei cheie este de asemenea rece și desaturată, ceea ce poate fi nebun să ne gândim să folosim o lumină albastră pe un caracter galben și, de obicei, toată lumea ar spune:„ Nu face asta ”, dar am făcut-o! Și de fapt a funcționat foarte bine în acest caz.
  • „Prin mijlocul zonei nasului, primim acești galbeni mijlocii și asta datorită luminii sale cu taste soft și este doar o lumină neutră.”
  • „Pe partea ei cheie, avem o lovitură saturată foarte puternică, foarte caldă, pentru a întări schimbarea de culoare”.

39. Acum că și-au dat seama cum să lumineze ea însăși Joy, cum va lumina decorurile și personajele din jurul ei? „Ea este personajul nostru principal, nu un personaj unic, așa că avea să fie în atât de multe fotografii încât lumina trebuia să fie ușor de manevrat pentru ca departamentul de iluminat să poată fi instalat și folosit în toate acele fotografii. Deci, din fericire, în timpul dezvoltării filmului am aflat și am fost incredibil de încântați să aflăm că RenderMan lucra la ceea ce ei numeau o lumină de zonă geometrică sau lumină de geometrie. Ceea ce face această lumină este că vă permite să selectați un model și apoi îl vom transforma într-o sursă de lumină. Aceasta a fost muzică pentru urechile noastre! Dar am aflat că nu va fi gata la timp pentru producția noastră și am fost ca: „Ce ?! Acesta este personajul perfect pentru această lumină! ”În decembrie 2013, le spuneam tuturor:„ Tot ce vreau pentru Crăciun este să lucreze geometria luminii Joy! ”Deci, din fericire, am ridicat destule steaguri roșii și am vorbit cu destui oameni pe care RenderMan le-a adunat împreună băieți de tehnologie și băieții noștri de iluminat tehnic și au reușit să funcționeze pentru noi în timp Așadar, l-am implementat cu foarte puține testări în martie 2014 în producție, dar din fericire a ajuns să funcționeze și l-am folosit, din câte știu, la fiecare filmare din film. ”

În cazul în care le-ați ratat, iată linkurile către celălalt meu Pe dos / Articole de vizită Pixar. Filmul se deschide în 3D pe 19 iunie.

  • Jonas Rivera vorbește în interior și unde să găsești oul de Paște DINOSAURUL BUN
  • INTERIOR INTERIOR: Pete Docter și Jonas Rivera despre „A face bucuria plăcută”
  • INSIDE OUT Reacție de filmare: Ar putea fi una dintre cele mai bune Pixar?
  • INSIDE OUT Imaginile și conceptul dezvăluie modul în care Pixar a adus emoții la viață