33 de mari filme din anii 70 pe care le-am uitat de timp

Ce Film Să Vezi?
 
Anii '70 ne-au înzestrat un cinematograf grozav din toate timpurile, dar tăieturile adânci sunt la fel de bune ca cele mai mari hituri.

Anii 70 sunt adesea considerați a doua epocă de aur a Hollywoodului. Îndrăgostiți de succesul Dennis Hopper ’S Călăreț ușor care a închis anii '60, multe dintre studiouri au arătat dorința de a încredința tinerilor producători, scriitori și regizori să dea o voce complet nouă cinematografiei. Rezultatul a fost o listă unică de clasici de la noi producători de filme, cum ar fi Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman, Woody Allen, Bob Rafelson, Terrence Malick, Steven Spielberg, Hal Ashby, William Friedkin, George Lucas și Peter Bogdanovich , a numi câteva. Modul în care s-au deosebit de marile anterioare a fost prin renunțarea la clasicism pentru o asociere mai strânsă cu realitatea, prin mai multe sunete sau melodii rock 'n roll în loc de partituri, prin comploturi mai intime în urmărirea unui personaj mai mult decât povestea lor și aventurarea în afara scenei sonore și în afara în lumea reală.

Deși multe dintre aceste nume au fost punctul central al noului succes de povestire din deceniul anilor '70, au avut multe filme grozave care au intrat și în spiritul rebel al noilor autori, fără a continua să primească un strălucire clasică. Fiecare deceniu a uitat filmele, dar anii 70 sunt o comoară a filmelor rebele, excentrice și vii, dar care nu mai sunt menționate.

Pentru a crea această listă inițială, am avut doar un criteriu: filmul a trebuit să primească mai puțin de 10.000 de voturi pe IMDb, ceea ce pare a fi un bun barometru dacă un film a fost sau nu lăsat în urmă în retrospectivul zeitgeist. Cu această metodologie s-au descoperit câteva lucruri. În primul rând, multe dintre filmele care ar putea ateriza aici au fost experimentale cu narațiune, sau grindhouse sau străine, ceea ce nu este deloc surprinzător, desigur. Dar mai surprinzător a fost faptul că multe dintre marile filme americane din acest deceniu care par să nu mai aibă un pasionat fervent, dar au fost regizate de un autor acceptat precum Altman sau Ken Russell , a prezentat frecvent un rol principal feminin.

Imagine prin Paramount Pictures

Marile filme din anii '70 au aparținut în mare parte bărbaților, au fost realizate de bărbați și au povestit aproape exclusiv prin ochii bărbaților și au încercat să descodifice ce înseamnă să fii un om onorabil. Desigur, sunt încă filme grozave, dar cinematografia din anii 70 a fost prima barieră reală de gen pentru filme; toate laudele și premiile urmau Nașul, unul a zburat peste cuibul cucului, Rocky, Conexiunea franceză, Vânătorul de cerbi etc. și este puternic în comparație cu deceniile anterioare în care filmele conduse de femei sunt de genul The Apartment, My Fair Lady, Sunetul muzicii , etc., ar putea câștiga în continuare premiile superioare de film până în anii '60. În anii 70, aclamarea și prestigiul au devenit într-adevăr unilaterale, iar marea majoritate a imaginilor de prestigiu s-au concentrat asupra bărbaților. Aș putea argumenta că atunci a apărut și ideea imaginii unui bărbat și a unei femei. Încă din anii 70 ne-a dat și ideea unui blockbuster care a schimbat pentru totdeauna filmul Razboiul Stelelor , această divizare a crescut în anii '80 și abia acum începem să vedem o revenire la fotografii de prestigiu făcute de regizori majori.

Nu este să critici filmele uimitoare cum ar fi Nasul, Apocalipsa acum, Badlands, după-amiaza zilei câinilor, și din ce în ce mai multe care au apărut în anii 70, dar este demn de remarcat faptul că majoritatea filmelor de pe această listă - care nu au primit sprijin inițial de studio și nu mai au sprijinul unui sistem de vot precum IMDb - prezintă femei în rolurile principale. Restul sunt străini, franjuri și obraznici. Sau, în unele cazuri, sunt debutul în regie al unui regizor care ar urma să aibă un cult, cum ar fi Walter Hill și Elaine May . Consultați câteva dintre selecții și sunetele cu care filme sunteți de acord sau pe care ați dori să le vizionați sau ce mega clasice credeți că sunt supraevaluate.

The Lickerish Quartet (1970)

Radley Metzger a fost un pionier al eroticii. În timp ce contemporanilor săi le place Russ Meyer și Tinto Brass a petrecut anii '70 evidențiind trăsături feminine specifice (Meyer sânii și Brass the fese), Metzger făcea artă care prezentau ocazional curvie. Nu mă crede doar pe cuvânt, Andy Warhol numit Cvartetul Lickerish „O capodoperă scandalos de ciudată” și UCLA și-a restaurat amprentele de film și a ținut retrospective pentru a-și evidenția munca. Este academic.

Cvartetul Lickerish începe la un castel european, unde o familie înstărită urmărește un vechi „film albastru” (așa cum se face cu familia lor într-un castel), apoi călătoresc la un circ unde urmăresc câteva trucuri de temerari. Observă că o femeie motociclistă ( Silvana Venturelli ) arată foarte asemănător cu femeia care a apărut în primul rând în filmul murdar pe care tocmai l-au urmărit. Așadar, desigur, o invită înapoi la castelul lor, unde vorbesc despre trucuri cu bicicletele, îi arată filmul obraznic și o invită să-și îndeplinească fiecare dintre fanteziile lor, una câte una. Între timp, ea întreabă în mod repetat, „cine are arma” și patriarhul familiei ( Frank Wolff , care avea mici roluri în ambele A fost odata ca niciodata in vest și Marea Liniște ) are flashback-uri la timpul său în război. Da, există sex și există o muzică fantezistă, dar ce face Lickerish Quartet impresionante - și unul dintre puținele filme de acest gen în care puteți viziona cinematografie, poveste și design de producție și încă păstrați cartea voastră snobă cinefilă - sunt configurațiile imaginative, editarea și modificările setului (o bibliotecă se transformă într-un dicționar murdar, de exemplu). S-ar putea să vă încălziți, s-ar putea să râdeți, dar vă veți simți și rău în ceea ce privește războiul și părinții.

Investigația unui cetățean peste suspiciune (1970)

Imagine prin Criteriu

Investigarea unui cetățean peste suspiciune este rara capodoperă la care mi-ar plăcea să văd și un remake actualizat. Preocupările sale guvernamentale sunt atât de atemporale, atât de coapte, atât de țesute în țesătura trecută și viitoare a societății de guvernare corupte. Donald Trump s-a lăudat odată că era atât de popular cu baza sa încât ar putea împușca pe cineva pe Fifth Avenue și niciodată să nu sufere consecințe. Ei bine, acesta este un film, cu excepția mult mai inteligent, curios și preocupat de ceea ce înseamnă de fapt acea admitere deschisă.

Un cetățean deasupra suspiciunii introduce șeful poliției roman ( Gian Maria Volonte ) când intră în apartamentul unui iubit care întreabă cum se va preface că o ucide în seara asta, cu excepția faptului că, în loc să se angajeze în jocul lor de rol obișnuit, o ucide; lasă intenționat o mizerie de indicii, curios să vadă dacă statutul său, de care a fost atrasă femeia, l-ar putea salva de fapt de orice repercusiune pentru o infracțiune capitală. Ennio Morricone scorul, care este doar o compoziție repetată a temei, include o explozie de harpă maxilară care vă permite să știți că este bine să găsiți umorul în tot ceea ce se desfășoară. Dar, deși comentariul social și satira în sine sunt foarte puternice, adevărata stăpânire a Elio Petri Filmul este în modul în care folosește flashback-urile dintre șeful poliției și femeia ucisă, Augusta Terzi ( Florinda bolkan ). O vedem punând o capcană, neștiută de ea însăși, plictisindu-se într-o noapte și sunând bețiv la secția de poliție să bată pe cine răspunde descriindu-se nud în apartamentul ei cu un intrus și este curioasă dacă cineva de acolo ar salva-o sau Las-o doar să fie violată și să ignor orice raport viitor. Șefa vine să inspecteze și interesată de puterea lui, ea continuă să-l împingă să facă lucruri pentru fiorul de a fi prea mare în putere pentru a primi orice lovitură.

Important, deși Augusta este implicată în acest dans al macabrului, Petri nu-i dă vina niciodată pentru dispariția ei. Bolkan o interpretează pe Augusta ca pe o femeie care se răzvrătește împotriva societății, dar această rebeliune o apropie de bărbații de putere și, de asemenea, de bărbații din partea revoluționară care doresc să stingă puterea menționată; ea este în mod constant agitată prin încălcarea legilor, dar cade imediat într-o depresie a conștientizării, acolo unde el nu îl captează.

O distincție importantă în Deasupra suspiciunii este cine se numește și cine nu. Majoritatea bărbaților în funcții guvernamentale nu sunt menționați pe nume, ci în schimb rangul lor, făcându-i nu oameni, ci statul personificat. Cei care sunt numiți sunt fie victime, fie cei care sunt supravegheați pentru înclinațiile lor comuniste. Este o distincție importantă că post-Mussolini, fascismului italian, i s-a permis să continue, să se descurce și să crească, pur și simplu din cauza fricii de a-l înlocui comunismul. În plus, pe măsură ce Petri face o pauză între încercările sale de a fi descoperite și relația sa trecută cu Augusta, ajungem să ne dăm seama că desfacerea sa sociopatică este legată de ceea ce este cel mai adesea pentru bărbații cu putere, o lovitură pentru ego-ul lor asupra virilității lor sexuale. Deși nu se spune, avem sensul că motivul pentru care comite această crimă este pentru a putea trece la șeful poliției politice, pentru a asculta revoluționarii care îi asociază cu preferința sexuală a lui Augusta, deoarece ea se furișează pentru a face dragoste cu un tineret comunist după ce l-a respins pe plajă.

Aceasta este o lucrare pur și simplu minunată de corupție, dorință și tendințe sociopate care devin împletite și încurajate de putere și devin coruptibile. O cameră plină de bărbați care flexează tipul de putere care permite astfel de perversiuni de încredere să continue. Bărbați fără nume, protejându-i pe ai lor, victimele și adevărul să fie condamnați. Suna familiar?

The Music Lovers (1970)

Iubitorii de muzică a obținut acest răspuns de la unul dintre marii critici de film din toate timpurile, Pauline Kael: „Simți (ca) că ar trebui să conduci o miză prin inima omului care a făcut-o”. Omul care a făcut-o este Ken Russell . Istoric vorbind, Iubitorii de muzică urmează încercările condamnate heterosexuale ale faimosului compozitor Pyotr Ceaikovski ( Richard Chamberlain ) pe măsură ce se ridică prin lumea muzicală întorcându-și spatele homosexualității și participând la un simulacru de căsătorie. Este vorba despre puterea muzicii, dar este și despre distructivitatea reținerii sexului - de la sine și de la alții.

După ce i-a ieșit potențial compozitorilor veterani ai faimosului Mighty Five din Rusia, Ceaikovski și-a ales soția dintr-o serie de scrisori de dragoste pe care i le-a scris fără să-l întâlnească vreodată. În mintea lui, pentru că ea știa doar muzica lui, care este tot ceea ce avea nevoie pentru a-l iubi. Dar Antonia (un lucru uimitor Glenda Jackson ) avea nevoie de mai mult decât muzica lui. De asemenea, avea nevoie de sex pentru a se simți iubită. Această propoziție s-ar putea să pară grosolană, iar Russell o prezintă uneori așa, dar este și sfâșietoare. Există umilință atât în ​​respingerea cuiva pentru sex, cât și în respingerea.

Există o scenă magnifică în luna lor de miere în care Ceaikovski o îmbată în mod specific pe Antonia într-un tren, astfel încât să nu fie nevoie să facă sex, dar ea încearcă totuși. Ea leșează goală pe podeaua vagonului lor, iar denivelările șinelor îi fac corpul să se legene violent și înainte; Ceaikovski privește îngrozit corpul ei vulnerabil. Această groază a sexualității a provocat probabil reacția mizei de la Kael. Pentru Russell, ca regizor, este orice altceva decât clasic. El, ca și Ceaikovski aici, era nou pe scenă în 1970. Și a radicalizat ceea ce se putea face cu o epopee istorică. Acesta nu este David Lean. Acesta este un film care recrează viziunile pe care le creăm când aude muzică. Și unul care privește un azil de nebuni ca teren de reproducere pentru, ei bine, nebunie. Acesta este cel mai neobișnuit și mai puternic film care a primit vreodată loviturile de pensule rezervate în general epopeilor de aventură.

A New Leaf (1971)

Woody Allen și Mel Brooks primesc majoritatea premiilor pentru comediile americane din anii '70, dar Elaine May merită să fie menționat ca fiind egal (în mod potrivit, Allen a aruncat-o recent ca soție în seria sa Amazon, Criza în șase scene ). Copilul Heartbreak este capodopera ei (și dracului aproape de un divertisment perfect), dar A New Leaf a fost începutul ei fantastic.

Frunze îl privește pe Henry Graham ( Walter Matthau ), un fond fiduciar care nu are hobby-uri sau cunoștințe reale. Îl întâlnim când i se spune că nu are bani reali; a cheltuit-o pe toate. Într-un ultim efort de a continua să meargă la clubul de țară și să trăiască în societate, face un pariu cu unchiul său că ar putea fi căsătorit cu o femeie bogată în șase săptămâni. Dacă va reuși, datoria îi va fi iertată și, în cele din urmă, o va ucide pe mireasă la scurt timp după ceremonia de a primi moștenirea ei. May însăși joacă rolul miresei potențiale, o femeie stângace și cărnoasă cu care nimeni nu vorbește la clubul de înaltă societate.

A New Leaf este un clasic Preston Sturges - comedie inspirată de slapstick cu o lecție diabolică până la sfârșitul duratei sale. Livrarea neplăcută a lui Matthau este perfectă pentru a reprezenta oaf fără talent, dar îndreptățită și, pe măsură ce anii 70 au creat cadrul pentru disparitatea crescută a veniturilor, nebunia sa este acum mai redusă. Dar sinistra întorsătură satirică pe care May o are în mânecă este ideea că motivul pentru care bărbații trimit atât de ușor femeile și relațiile este că aceștia caută pe cineva care să le ofere o moștenire. Pentru mulți, acesta este un moștenitor pentru a conduce o companie cu numele lor, dar pentru fop-ul lui Matthau are o nouă specie de plante numită după el. Un astfel de gest îl va face să întoarcă o nouă frunză și să se gândească la altcineva decât el?

Prietenul băiat (1971)

Ken RussellSandy Wilson Zgomotul Broadway Prietenul unele film razzle-dazzle. Piesa în sine se referă la anii douăzeci și la doi tineri care se îndrăgostesc de dorințele părinților lor. Această adaptare se referă la un sub-studiu ( Twiggy ) la o casă de joacă londoneză din anii 1920, care a intrat în repetiții după vedetă (a Glenda Jackson cameo) suferă o vătămare pentru producția de, ați ghicit, ceea ce va deveni „The Boy Friend”. Multe dintre melodiile populare ale lui Wilson rămân aici, cu o poveste secundară despre faptul că un producător de film se află în public și caută să lanseze următorul lucru mare, iar sub-studiul începe să se îndrăgostească de rolul principal masculin ( Christopher Gable ) deoarece el ajută la creșterea încrederii ei pe tot parcursul repetiției.

Prietenul este lung, dar are unele dintre cele mai uimitoare modele de decor și costum ale oricărui musical. Deoarece acesta este Russell, acele modele creează și visele interpreților, nu doar producția. Este un film orbitor pentru design. Și Twiggy, modelul, este destul de natural ca stea nefirească care are factorul pe care îl caută producătorul de filme. Russell a spus că a făcut acest film ca o curățare a paletului pentru tumultuosul și amestecat în studio Diavolii (Vezi mai jos). Ca atare, este ușor de văzut de ce este prea lung, întrucât Russell probabil avea nevoie doar de o bucurie strălucitoare în viața sa. Fanii La La Land Voi găsi aici câteva capete de scenografie.

Diavolii (1971)

Ken Russell ’S Diavolii este mai puțin uitat și mai greu de găsit. Se solicită în mod constant să fie adăugat la Colecția Criterion, dar Warner Brothers pare a fi hotărât să nu renunțe niciodată la drepturi. Studioul a blocat lansarea unui Blu-ray, i-a permis BFI să-l afișeze doar în Anglia dacă este listat ca o experiență educațională și versiunea pe care am văzut-o eu și mulți fani ai filmului, de stat, provine direct de la Martin Scorsese Colecția proprie, pe care o împrumută pentru o examinare ocazională (doar pentru a vă exprima). Pentru a adăuga intriga, Guillermo del Toro a acuzat WB de peste 40 de ani de cenzură, nepermițându-i niciodată să facă videoclipuri de acasă. Acum acesta este studioul care a lansat pe scară largă Exorcistul - care a inclus o scenă a unei fete pre-adolescente posedate care și-a înjunghiat vaginul cu un crucifix și apoi și-a forțat fața mamei în privatele ei în timp ce mormăia, „linge-mă” - doar doi ani mai târziu. Așadar, într-o perioadă în care cataloagele din spate ale studiourilor sunt disponibile pe scară largă, de ce se află acest film sub cheie?

Diavolii se concentrează în jurul unui preot zadarnic ( Oliver Reed ) și călugărița cocoșată ( Vanessa Redgrave ) care îl poftește atât de profund încât îl acuză de vrăjitorie și alte călugărițe de la mănăstire se alătură acuzației, deoarece acuzația le permite să se comporte ca și cum ar fi sub o vrăjeală sexuală și, prin urmare, sunt mai liberi să își practice dorințele decât va permite biserica. Este o capodoperă ciudată, așa cum sunt multe dintre filmele lui Russell. Și când călugărițele se răsfățează, aceasta scoate în evidență latura anarhică și haotică a autorului. Aceasta este una dintre cele mai mari spectacole ale lui Redgrave și este o critică interesantă a religiei și a suprimării dorinței. Acum, filmul este atât de exagerat de la suprimarea sa, încât ar părea probabil îmblânzit de standardele de astăzi, ceea ce face ca comportamentul lui WB să fie și mai necunoscut (în modul de gândire al lui WB, prezentările blasfeme pe un copil în posesia sunt mai bune pentru public, dar prezentările hulitoare care sunt falsificate de o mănăstire nu sunt).

Rețineți, există două scene de masturbare care au fost tăiate din tipăritul teatral pentru a primi o scurtă versiune cu X, atât în ​​Marea Britanie, cât și în SUA, oh, pe care am văzut-o, și nu este grafică, dar este atât de neliniștitoare, cât și de întunecos umoristic, punând la îndoială dacă toți creștinii își practică religia pentru a-și purifica inima sau pentru că le oferă abilitatea de a-i controla pe ceilalți. Poate că este dorința evidentă a surselor cinefile din afară, cum ar fi Colecția Criterion, de a lansa filmările ca un bonus care menține acest film suprimat. Sau poate, ca Birth.Movies.Death note , este doar un vechi executiv care are o vendetă personală împotriva filmului și trebuie doar să așteptăm ca acea persoană să moară (ca multe abordări înapoi la gândire în zilele noastre) și vom putea în cele din urmă să decidem singuri dacă ne putem descurca sau nu cu acest film. Dacă vedeți vreodată acest film listat în listele locale pentru o prezentare de o noapte, mergeți.

10 Rillington Place (1971)

Imagine prin Columbia Pictures

Attn: Murderinos, 10 Rillington Place este o poveste captivantă și incomodă uitată despre criminalul în serie, în care cel mai îmbrățișabil om de la noi Parcul Jurassic / Miracle pe 34aStradă copilărie, Richard Attenborough , găsește femei, face sex cu trupurile inconștiente, le sugrumă, le îngropă în curte și încadrează pe altcineva pentru asta! Ceva care fundamentează acest film, mai degrabă decât senzaționalizarea faptelor, este modul în care arată în mod repetat modul în care societatea patriarhală (și societatea care se închină veteranilor) îi permite ucigașului să funcționeze cu ușurință. El câștigă încredere prin vocea sa educată și prin declararea practicilor medicinale anterioare. Locatarii săi ( John Hurt și Judy Geeson ) sunt un cuplu tânăr, foarte sărac, cu un singur copil. Soția dorește un avort pentru că nu au bani pentru un al doilea copil, deoarece este analfabet și este singurul capabil să se alăture forței de muncă. John Christie (Attenborough) este vecinul lor și este capabil să-și ordoneze soției sale ( Pat Heywood ) să plece ori de câte ori este necesar pentru „munca” sa ca singur furnizor însuși. Dosarul său de război este cel care menține arestările sale anterioare suprimate. Și sistemul care favorizează medicii veterinari, bărbații educați și o forță de poliție leneșă îi permite să continue chiar și după descoperirea cadavrelor.

Attenborough este greață și captivantă, Hurt este magnific și regizor Richard Fleisher ( Călătoria fantastică ) se îndreaptă bine spre realismul chiuvetei din bucătăria britanică după ce Hollywood l-a aruncat după câteva flopuri de studio. Tristețea din postura lui Attenborough când toarnă un ceai otrăvit pe care nu va putea să-l folosească pentru viol și crimă, deoarece instalatorii au venit, este o atenție atât de plăcută asupra controlului pe care acest om este obișnuit să îl aibă în casa lui.

Publicul nu era la fel de obișnuit cu filmele despre serial killer în 1971 ca acum, așa că începutul filmului cu un actor îndrăgit care târa o femeie inconștientă la pământ pentru a-și face drum cu ea, a fost șocant în 1971, așa că ar avea sens că Fleisher s-ar concentra asupra a două acte grizzly și a avortului judiciar și nu va forța publicul să suporte mai multe crime din povestea adevărată. Dar acum, când avem o obsesie de criminal în serie în film / tv, ultimele 10 minute de justiție avortată ar putea fi propriul său film; cum a continuat acest monstru și de ce Marea Britanie a abolit pedeapsa cu moartea din cauza sa. Cu toate acestea, chiar dacă există o grabă printr-un proces la sfârșit, acesta este un ritm expert, greață și frumos realizat.

Wake in Fright (1971)

Imagine prin United Artists

Australia Trezește-te înspăimântat este cel mai artistic Mahmureală -film stilat și coșmarul meu personal: fiind înconjurat de o hoardă de bărbați degenerați care beau, pariază, luptă, concedieză femei și împușcă animale pentru sport, fără opțiunea disponibilă de a le lăsa în urmă. Gary Bond este un profesor de școală care face un pariu prost pe jocuri de noroc și apoi este tras într-un oraș plin de bărbați beți și violenți (condus de Donald Pleasance ) care încearcă să-l oblige să fie la fel de beat și violent ca ei.

Această poveste a răului masculin este mai înspăimântătoare decât Eliberare deoarece acești bărbați sunt mai identificabili și dorința de a domina sexual alți bărbați este sugerată mai degrabă decât arătată direct. Întinderea deșertului portocalie este înclinată frumos. Dar fii avertizat, vânătoarea de canguri este vărsătoare, pare reală pentru că director Ted Kotcheff a folosit imagini reale pe care le găsise; aceasta a fost pentru a-și confrunta audiența, cu vânătoare de canguri ilegale în creștere care au loc pentru sportul bărbătesc și a fost parte integrantă a reglementărilor sporite, dar 40 de ani mai târziu, fără această conștientizare a timpului, este incredibil de dificil de urmărit, așa că știind că în prealabil nu este doar o necesitate avertisment, dar și necesar pentru a cunoaște motivele pentru care a fost inclusă în primul rând. Iar trăsăturile negative ale bărbaților din grupuri care fac cele mai proaste alegeri sunt mereu atemporale. Deși încearcă în numeroase moduri, profesorul nu pare să-i lase în urmă; parcă ar fi într-un glob de nisip.

Kotcheff este cel mai bine cunoscut pentru regia primului Rambo film, Primul sange , dar ar amorți aceste teme de fraternitate pentru filme americane de petrecere precum North Dallas Forty și Weekend la Bernie’s (!!). Chiar dacă oamenii din Bernie Sunt alături de un tip mort, aș prefera să-l lovesc cu tipii ăia decât cu acești monștri.

Murduri mici (1971)

Am fost prezentat la Micii Omucideri , o satiră hilară a febrei căsătoriei, prin intermediul unui prieten care se căsătorea. Voia ca persoana care își supraveghea jurămintele să urmărească clipul Donald Sutherland Pastorul în timp ce oferă o introducere de nuntă despre modul în care „afacerea căsătoriei” merită „abandonarea ritualului în căutarea adevărului”. Subiectele despre care vorbește Sutherland în timp ce Elliott Gould și Marcia Rodd așteaptă să se căsătorească sunt câte dintre nunțile pe care le-a prezidat s-au încheiat în divorț și numeroasele motive pentru care au avut loc aceste căsătorii eșuate; masturbarea, drogurile, dezinteresul. Este cu adevărat o analiză fascinantă, hilară și cu adevărat da a ritualurilor și a căsătoriei și a modului în care motivul fiecăruia de a se căsători este „în regulă”, la fel și deciziile lor de a pleca, pentru că, la fel de mult pe cât ne place să privim căsătoria ca o confuzie a două identități, aceasta este versiunea neadevărată.

film după războiul civil al Căpitanului America

Urmăriți monologul Aici și dacă sunteți de acord că acesta este un discurs destul de grozav, dați Alan Arkin Debutul în regie a fost un spin. Este plin de inteligență, extrem de inteligent, deși are nevoie de o ocolire ciudată pentru al treilea act, este unul dintre cele mai amuzante filme dintr-un deceniu care trecea de la anii '60 înapoi la ritualuri atemporale. În ceea ce privește crimele? La fel ca multe filme de pe această listă, este o capsulă a timpului din anii '70 din New York, extrem de periculoasă și murdară. Și în ceea ce privește viitoarea soție care m-a introdus în film? Este încă căsătorită și pune ultimele atingeri pe un Hal Ashby film documentar care ar trebui să înceapă screening-ul în 2017. Și pentru oricine citește această listă, aceasta trebuie să fie căutată, pentru că Ashby este probabil cel mai uitat autor principal din anii '70.

Minnie și Moskowitz (1971)

Minnie și Moskowitz ar putea fi cu ușurință retitlată ca „Bărbați care țipă Gena Rowlands Despre de ce ar trebui să fie un articol ”. Dar cu John Cassavetes scenariu, țipatul este distractiv. Expoziția A, Zelmo Swift ( Val Avery ), un tip bogat cu nume amuzant, „îngrozit de femei” și o conversaționalistă foarte proastă, dar aur de film pur pentru data din iad, care continuă să arate despre aspectul ei și cât de „grozavă” este, fără să-i permită niciodată să vorbească . Exemplarul B, valetul cu mustăți sălbatice, Seymour Moskowitz ( Seymour Cassel , Jason Schwartzman Tatăl lui Rushmore ). Moskowitz o salvează pe Minnie de la sfârșitul acelei date și apoi încearcă imediat să o scoată la o întâlnire cu hot dog. Spre deosebire de Zelmo, el îi pune întrebări, dar Minnie abia răspunde.

Minnie și Moskowitz își prezintă cele două personaje principale în timp ce acestea au o conversație separată despre cinema. În cele din urmă, aceasta este o perspectivă asupra viziunii lor asupra lumii. Seymour vede filmele ca pe o evadare, iar Minnie le vede ca pe o speranță falsă („Te-au pregătit. Și oricât de strălucitor ai fi, încă îl crezi.”). Cassavetes urmărește formula de armură drăguță / cavaler-în-strălucire a unei filme romantice, dar are în schimb „premiul” să fie o femeie care a renunțat și aproape de comat, îngrijorată de orice sentiment emoțional. Minnie reprezintă cât de urâtă poate fi lumea și cât de triste pot deveni astfel filmele pentru a da speranță, iar Seymour reprezintă cât de viu poate deveni banalul doar cu o mentalitate de a căuta divertisment. Unul are succes; cealaltă este un pas deasupra unui vagabond (dar el este, de asemenea, amabil cu vagabonzi și un fel de rău pentru oamenii de succes). Căutarea lui Seymour nu este tocmai romantică, dar romantismul se simte posibil între ei și aceasta este călătoria acestui film: prezentarea posibilității romantismului în loc de versiunea filmului în care romantismul este sigilat de creditele finale.

Imagini (1972)

Robert Altman Povestea claustrofobă a femeilor înnebunite a primit un deserviciu de către criticii de film în 1972 și, în esență, a dezamăgit lansarea sa largă. Susannah York a câștigat Cea mai bună actriță la festivalul de film de la Cannes în acel an, dar cele mai mari ziare din New York au refuzat să o acopere și puținele recenzii din cadrul Festivalului de Film din New York i-au ucis șansele de distribuție ulterioară. Este ciudat să ne gândim cât de rece au primit filmul lui Altman, dar tocmai a făcut-o M * A * S * H și McCabe și doamna Miller , două capodopere narative implicate și drepte și Imagini probabil că părea o mizerie la acea vreme. Dar urmărind-o acum, după ce mulți dintre noi am văzut alte filme de femeie deranjate, cum ar fi Noaptea de deschidere, Mulholland Drive, Black Swan, Queen of Earth și multe altele, este un ceas destul de natural și perfect executat de York, Altman și cinematograful, Vilmos Zsigmond .

In esenta, Imagini este o redare vizuală a Ingmar Bergman ’S Persoană . În filmul lui Bergman, o asistentă îi mărturisește un eveniment sexual unui pacient mut și apoi simte că pacientul respectiv are o putere asupra ei pentru că își cunoaște cel mai întunecat secret. Dar întrucât Persoană am folosit un lung monolog pentru acea mărturisire, Imagini folosește, ai ghicit, imagini.

În Imagini , este o femeie căsătorită care știe că și-a înșelat soțul; primul bărbat cu care a înșelat a murit într-un accident de avion, iar acum o bântuie în casa lor de vară de vânătoare. Un bărbat care locuiește în apropiere îi simte daunele și crede că transmite semnale de viol, așa că el o vizitează în timp ce soțul ei vânează. Retragerea ei de vară este o casă bântuită de batjocuri și dorințe sexuale ale bărbaților (atât din morți, cât și din moarte). Crede că îi ucide pe toți, dar pe ce bărbat ucide de fapt?

Acesta este unul dintre cele mai uimitoare exerciții ale lui Altman în ceea ce privește starea de spirit și camera (este, de asemenea, unul dintre cele mai ciudate și mai interesante scoruri de la John Williams , plin de nervi răsuciți). Capete de cerb presimțite, narațiune șoptită, scânduri de pian, mișcare a camerei care arată o crimă în mintea ei și apoi poate dezvălui adevărul în același cadru, da, Imagini abia a primit o lansare, dar puteți vedea influența sa asupra viitorilor cineaști, precum pata de sânge a unui cadavru târât din bucătărie.

Sounder (1972)

Martin Ritt Adaptarea romanului simbolic pentru tineri pentru adulți al lui William H. Armstrong ar putea folosi cu adevărat un remasterizare. În starea actuală, are aspectul și sunetul unei vechi adaptări TV, dar nu permiteți reducerea filmului. Sonda este un film puternic despre linia fină pe care o familie neagră trebuie să o parcurgă pentru a avea succes în societate. După o altă vânătoare fără succes, un tată ( Paul Winfield ) fură niște șuncă pentru copiii săi și este închis și trimis la o bandă cu lanțuri și soția sa ( Cicely Tyson ) și fiul cel mare ( Kevin Hooks ) aud în mod repetat de la negustor, șerif și femeile locale care le trimit rufele, cum au „ieșit pe un membru” pentru ei ca familie. Este sfâșietor să urmărești modul în care morganii sunt tratați ca și când ar trebui să simtă rușine în munca lor, deoarece este un privilegiu perceput pentru ei să lucreze la toate și astfel dorința de recunoștință a orașului se transformă acum într-o dorință de schimb în rușine. .

Tyson arată o forță durabilă de a fi judecată doar de munca ei, nu predică în rolul de matriarh și Sonda este liniștită feministă în timp ce încearcă să-și insufle propria onoare separată, în afara unității familiale. Hooks fuge în cele din urmă cu câinele său de încredere pentru a localiza în ce bandă de lanț se află tatăl său. Se împiedică într-o casă de școală cu un profesor care nu-l judecă după crima tatălui său și îi oferă asistență pentru a învăța să citească. Ceea ce face ca Sonda o adaptare reușită a unei cărți îndrăgite este folosirea sunetului de către Ritt, încrederea sa în artiștii interpreți pentru a interpreta nespusul și pentru a lăsa teza cărții niciodată declarată direct, dar în schimb se dezvăluie publicului cu subtilitate. Sonda este o adaptare foarte adultă a unei cărți populare pentru copii, tratată cu har și demnitate.

Trafic greu (1973)

Ralph Bakshi ’S ( Stapanul Inelelor ) filmele animate non-vrăjitor sunt greu de vizionat și mai greu de recomandat, dar sunt, de asemenea, vizionare esențială pentru oricine este interesat să vizioneze New York-ul anilor 70 din coșul de gunoi. Pisica Fritz a pervertit mișcarea contracultură și Coonskin este o privire urâtă asupra rasismului urban, de exemplu. Trafic greu este cel mai personal film al său, despre un tânăr desenator care rătăcește pe străzile din New York ca o modalitate de a ieși din gospodăria sa abuzivă și, ca atare, nu simte că încearcă să provoace sau să intimideze, ci mai degrabă mărturisește că a văzut o mulțime de rahat dur la vremea lui, dar cumva a trăit încă multe zile. Dar la capătul tunelului, care este plin de prostituate, decapanti, glugi și vagabonzi, își iubește orașul natal. Este orașul care nu doarme niciodată, pentru că există atât de multe stimuli neplăcute. Considerați-vă avertizat, filmele sale nu au loc pentru sensibilitate, mai degrabă sunt un test de rezistență. Exact cum își vede orașul și viața de acasă.

Trafic greu este un vis de febră, un Dante din anii ’70 Iad și a-l urmări înseamnă a adăuga un context suplimentar la respectarea lui Travis Bickel în Sofer de taxi că cineva ar putea fi atât de supra-stimulat de plăcerile ieftine încât ar solicita „o adevărată ploaie să coboare și să spele toată această spurcă de pe străzi”. De fapt, când Martin Scorsese trăgea Sofer de taxi au trebuit să oprească producția pentru o scurtă perioadă, când a protestat împotriva lui Bakshi Coonskin a dus la o bombă de fum care a explodat pe străzile din afara teatrului. Scorsese i-a trimis filmarea lui Bakshi, care a spus că „nu știa dacă să râdă sau să plângă”. Undeva în Trafic greu zace inima bătută a unui artist care crede că râsul in timp ce plânsul este singura modalitate de a spăla lucrurile cu adevărat.

Tors (1973)

Imagine prin Interfilm

Tors este un slasher italian care stabilește majoritatea regulilor care ar fi stabilite ulterior pentru slashers americani. Privirea bărbătească îndrăzneață îi face pe toți suspectați când corpurile studențești încep să se adune și sunt ființele sexuale libere care sunt ucise una câte una. Există atât de multă nuditate în porțiunea de început încât Sergio Martino Filmul se apropie de misoginie, dar maestrul giallo stabilește o plată fantastică. Dar, până la sfârșit, după ce au auzit toate conversațiile din orașul aglomerat, bărbații din clasa muncitoare au purtat despre femeile care au închiriat o vilă pentru a se ascunde de ucigașul care piratează femei la petreceri din afara campusului, obsesia ucigașului cu piesele păpușii. începe să aibă sens în modul în care sunt folosite corpurile feminine.

Motivul său este o prostie, dar bărbăția unui bărbat matur a fost într-o clipă tânără când i-am cerut să joace un joc din care îți voi arăta al meu dacă îmi arăți tu al tău, care este zădărnicit de ceva tragic care se întâmplă cu o păpușă. Și în campusul colegiului, la bordello-ul gratuit de dragoste și la vila pitorească, când se întâmplă o nuditate amplă, femeile sunt cele care se ocupă de corpul lor: partenerând de bunăvoie cu un iubit pe bancheta din spate a unei mașini, dansând dezbrăcat într-o hippie dirge, relaxându-se goi pe o canapea, permițând bărbaților să-și mângâie sânii în timp ce fumează o țigară, dar le spune să se oprească atunci când încearcă să meargă mai departe și, cel mai îndrăzneț, când sunt singuri, să facă plajă nudă cu fața în sus la vilă. Și apoi brusc, când ucigașul ajunge la vilă, Martino întoarce filmul pe cap și ne oferă scenariul final de fată, înainte ca ultima fată să devină chiar un trop.

În fiecare caz de nuditate, femeile controlează corpul lor. Se deranjează, și da, scena lesbiană pare mai degrabă ca un producător spunând că dă-o publicului, dar până la final, cred că nuditatea excesivă este lovită acasă ca având un punct. Păpușile sunt ceva cu care băieții tineri nu se pot juca decât dacă proprietarul fetei acordă permisiunea. Și deseori nu este cazul. Nuditatea relaxantă are mai mult de-a face cu liniștea corpurilor lor adulte într-o stare naturală, redusă la părți de păpușă dacă un bărbat le vede într-o astfel de ipostază. (Ultimul dialog din partea bărbaților din oraș este că femeile acelea frumoase nici măcar nu le vor vorbi pentru că nu sunt educate; din nou, un mod prin care femeile au mai multă agenție în timpul unei ere în care sexul premarital este noul normal dar rolurile femeilor în activitățile romantice și educaționale se schimbă alături de ele, oferindu-le mai multă agenție).

Dar ultimele 30 de minute sunt cele care fac Tors un mare giallo din toate timpurile. Crimele încep să se întâmple pe ecran pe măsură ce criminalul urmărește vila, așa că, în loc de scene ucigașe care creează tensiune, este o secvență prelungită în care fiecare scârțâit de podea, fiecare priză a baroului de lemn, primește o greutate imensă. Este una dintre cele mai prelungite secțiuni intense ale unui film de groază pe care l-am văzut vreodată. Și, deși scenariul Final Girl diferă de regulile viitoare, Martino are imense trucuri de cameră în mânecă pentru a-l dezorienta pe privitor.

Trandafirul de fier (1973)

Imagine prin ABC Films

Jean Rollin ’S Trandafirul de fier este Îngerul exterminator de filme morbide de pofta; doi tineri hotties intră într-un cimitir și nu își găsesc calea. Este o metaforă a căsătoriei? Poate.

Doi străini francezi ( Francoise Pascal și Hugues Quester ) se întâlnesc după ce a recitat un poem macabru la o nuntă. Băiatul o întreabă pe fată, fata spune că da, așa că lovește un copac din entuziasm. Se întâlnesc la curtea trenului în dimineața următoare și se alungă de la locomotivă la locomotivă. E drăguț. El sugerează vin, dar fata nu știe că vrea ca acest picnic să fie într-un cimitir, deoarece este liniștit. Împotriva rezervelor ei de locație, ei ajung să se agațe de o criptă, desigur, dar după ce ședința lor de dragoste durează întreaga lumânare, ei ies în întuneric, încep să ceartă și să se abuzeze reciproc până când lovește o cruce de fier, ea se întinde pe un mormânt și poate devine posedată. Cu toate acestea, chiar dacă spune lucruri nebunești despre Ziua Morții și se târăște la patru picioare, băiatul va face totuși o fată deasupra craniilor și femurilor, dacă dorește.

Capcana este sexualitatea și modul în care bărbații forțează femeile să se distreze fără griji în situații în care ar prefera să nu fie. Acesta ar putea fi un film cu metaforă sau ar putea fi doar un singur loc ieftin. Cred că sunt ambele. Starea de spirit macabră a Rollins, ketchup-ul și puloverele de muștar îi conferă acest lucru un pic Scooby Doo vibe (decolteul ridicat deoparte). Într-un scor minunat și ți-ai dori ca groaza să se întâlnească mai des cu drăguțele călătorii de moarte.

Belladonna tristeții (1973)

Imagine prin Nippon Herald Eiga

În această fantezie animată psihedelică pop de supraîncărcare senzorială diavolească, un lord feudal malefic atacă o fată din sat în noaptea nunții și trece la ruina vieții ei și a soțului ei. După ce în cele din urmă a fost alungată din satul ei, fata încheie un pact cu diavolul pentru a câștiga abilități magice și a se răzbuna împotriva tuturor. Belladonna tristeții este la fel de frumos și grotesc și a fost extrem de influențat pentru producătorii alternativi de animație japoneză pentru animație, precum Satashi Kon și Mamoru Oshii, care vor veni. Ce face Belladonna unic, este că este nevoie de ceva care ar fi putut fi un spectacol de groază medieval și curăță întunericul pentru a permite spațiului să se relaxeze în extaz, ceea ce face ca momentele de opresiune să fie mai tăioase și să amintească mult mai mult de o ușurare. Este cu adevărat ceva care Diavolul susține mai multă simpatie decât bărbații muritori, dar este pentru că cel puțin el înțelege dorințele ei și dorința ei de răzbunare. Înțelegerea este ceva ce bărbații nu își pot permite Belladonna tristeții.

Este greu de descris această orgie a excesului fără a părea grosolan, așa că, în schimb, voi folosi doar titlurile melodiilor Acid Mother's Temple pentru a încheia acest discurs, deoarece acuarela psihedelică și rockul psihedelic sunt părul lung al acestei narațiuni; pastelurile care stau în picioare spre întuneric ca:

„Bună, copil bun”

„Sweet Juicy Lucy”

„Al treilea ochi al întregii lumi”

„Iubirea interplanetară”

„Limonadă roz doamnă”

„La revedere, tâmpit mare”

Da, asta o rezumă mai bine decât ar putea „departe”.

Blood for Dracula (1974)

Contele Dracula a fost întotdeauna un pic seducător, dar Paul Morrissey (și producător Andy Warhol ) ne-a dat un Dracula hilar impotent ( Udo Kier ) în Sânge pentru Dracula . Corpul acestui Dracula devine incredibil de slăbit deoarece, după secole de hrănire cu gât virgin, a devenit din ce în ce mai greu să găsești femei virgine de la care să bei. Asistentul său le sugerează să meargă în Italia, unde familiile au încă valori catolice acerbe și astfel femeile vor fi pure. Zeul sexului lui Warhol Joe Dallesandro (întotdeauna bomboanele, niciodată actorul; el stârnește un accent gros din Brooklyn în Transilvania) și-a asumat să ia virginitatea fiecărei femei din mediul rural italian pentru a-l înfometa pe Dracula. Sânge pentru Dracula conferă un alt sens unei stâlpi de lemn străpungând inima lui Dracula. Aici, lemnul de dimineață îl ucide literalmente pe contele.

Deși este ușor să râzi de un seducător impotent, există o anumită tristețe în performanța lui Kier; cu libertăți sexuale sporite, pierdem societatea clasică, iar Dracula lui Kier este o reprezentare fizică a acelei morți lente. Acesta este un om care ar putea trăi veșnic atât timp cât a trăit într-o eră a purității. Timp de secole, Dracula a fost un vrăjitor al sexualității și bărbații au trebuit să-l vâneze și să-l împingă fizic pentru a-și proteja femeile pure. Acum, orice om cu șase pachete abdominale poate trece prin oraș și își poate slăbi puterile.

Celine și Julie Go Boat (1974)

Jacques Rivette Un monstru de trei ore (plus!) Al casei de artă, Celine și Julie pleacă cu barca sunt două lucruri pentru mine, este cel mai realist film de vis pe care l-am experimentat vreodată (inclusiv acumularea dezintegrantă până la marele final) și, de asemenea, cea mai bună interpretare a visului lucid (unde visătorul poate afecta visul pentru a avea un rezultat pe care îl au doresc, pentru că sunt conștienți că visează).

Celine ( Juliet Berto ) și Julie ( Dominique Labourier ) sunt două femei care se leagă în acțiune și identitățile lor se amestecă. Dacă unul citește o carte despre magie, celălalt este un mag. Dacă unul subliniază pasaje de carte cu cerneală roșie, celălalt pictează în roșu. După o serie de multe obiecte și acțiuni legate, tinerele se regăsesc într-un mister fantomă-lesbiană-crimă care joacă în buclă. O casă cu un tată în doliu este blocată într-un limb, unde fiicele sale vitrege reconstituie zilnic o crimă. Celine și Julie experimentează acest lucru în prim-plan și, așa cum facem în vise când suntem conștienți că nu participăm la ceea ce vedem, încep să testeze cum vor fi observați sau cu ce pot scăpa în prezența acestei scene.

Ceea ce se întâmplă este curios, amuzant și încântător. Dar ce ajută Celine și Julie menținerea atmosferei de vis înseamnă că privitorul uită atât de mult din setările codificate odată ce sunt în casă. La fel ca un vis, rămâne doar cu fragmentele pe care le prindeți și încercați să explicați.

Scor (1974)

Da, acest lucru este evaluat de X, complotul este destul de gol și există o fată pe scenă de fată și o scenă de muie bărbat, dar îndrăznesc să găsiți un film care să fie mai liniștit cu bucuriile vieții decât Radley Metzger ’S Scor . Filmul este despre un cuplu căsătorit swingin ’( Claire Wilbur și Casey Donovan ) în încercarea de a seduce un cuplu căsătorit prost pentru un schimb de noapte de parteneri de același sex. Chiar dacă tu ești nebun, există multe de apreciat în abilitățile de realizare a filmului Metzger. Scorul este viu și viu. Performanțele sunt solide. Iar compoziția sa în scenă greșită este revelatorie. Metzger a fost un regizor fantastic care nu a fost blocat în soft-core, ci mai degrabă știa că soft-core-ul ar putea fi o formă de artă. Cele mai multe portrete care au atârnat în muzee de zeci de ani erau nud. De ce nu ar trebui ca filmul să-l prezinte la fel de arte? Sexul și rușinea ar putea fi încorporate în religie, dar nu ar trebui să fie încorporate în arta noastră.

Scor nu este destinat unui avans rapid de zece minute către „părțile bune”, deoarece seducția și conversațiile sunt de fapt cele mai bune părți. Este un film minunat de 90 de minute care prezintă conversații inteligente și ingenioase despre sex. Unele dintre aceste conversații se întâmplă în timp ce două femei vorbesc între un acvariu cu lampă de lavă, deoarece conversațiile de film ar trebui să fie întotdeauna plăcute ochiului. Ce este cu adevărat distractiv Scor totuși, este cât de inclusiv este. Fiecare personaj lucrează la eliminarea celuilalt și toată lumea are zâmbete și scorul este o explozie. Nu lăsați propoziția introductivă să vă sperie; acest film nu este foarte explicit. Dacă te descurci să auzi oameni vorbind mult despre sex și căsătorie într-un apartament minunat în anii '70, în vila italiană, și apoi să ai câteva minute de sex, ești cu adevărat plăcut. O să zâmbești gândindu-te la acest film. Veți spera să întâlniți pe oricine atât de entuziasmat de a fi în viață precum noul cuplu reprimat ( Lynn Lowry și Gerald Grant ) sunt în timp ce părăsesc vila pentru a converti pe altcineva în noile lor moduri de gândire gratuite. Sexul poate fi distractiv. Urmărirea poate fi distractivă. Și Scor este atât de distractiv, că nu ai nimic din ce te poți simți vinovat dacă îl urmărești.

Vremuri grele (1975)

Timpuri grele oferă o reorganizare neo-occidentală a poveștii standard despre Marea Depresiune și box. Nu există nicio fată pe care să o obținem până la final, nu există un premiu mare pentru a rezolva totul; există doar câteva zgârieturi suplimentare și respect câștigat. Acesta este director de cult Walter Hill ’S ( Razboinicii ) primul film și este foarte sigur. El o prezintă ca o poveste clasică înaltă despre străinul de pe vagon ( Charles Bronson ) care poate învinge pe fiecare bărbat într-o luptă corectă, dar el dezvăluie încet că nu există prea multe de câștigat.

În acest moment, Bronson fusese deja reamenajat ca o stea de răzbunare și se așteaptă ca acest film să fie similar, dar Hill este cel mai interesat de partea de afaceri a luptelor ilegale; modul în care încrederea este reînnoită câștigând rambursarea literală în numerar și nu printr-o retribuție violentă. În Bronson, Hill dă „Viteză” (un mare, blustery James Coburn ), un promotor care, de obicei, își folosea gura mincinoasă pentru a ieși din debut, o nouă metodă de a se onora: păstrarea fidelă a cuvântului său printr-o muncă nerecunoscătoare.